Fora das culturas eurocêntricas modernas existe uma grande variedade de sistemas de notação musical, cada um adaptado às necessidades peculiares das culturas musicais em questão, e algumas obras clássicas altamente evoluídas não usam notação de forma alguma (ou apenas em formas rudimentares como auxílios mnemônicos), como as formas khyal e dhrupad do norte da Índia. Os sistemas de notação musical ocidentais descrevem apenas música adaptada às necessidades de formas musicais e instrumentos baseados em temperamento igual, mas são mal equipados para descrever músicas de outros tipos, como as formas corteses de gagaku japonês, dhrupad indiano ou a música percussiva de batuque de ovelha.

O artigo de hoje vai mostrar mais sobre como a partitura foi inventada, esta referindo-se à pauta usada atualmente e em tantas outras peças adoradas dos pianistas.

A notação musical foi desenvolvida antes do pergaminho ou papel ser usado para escrever. A forma mais antiga de notação musical pode ser encontrada numa tabuinha cuneiforme que foi criada em Nippur, na Suméria (atual Iraque) por volta de 2.000 aC. A tabuinha representa instruções fragmentárias para executar música, em que a música foi composta em harmonias de terços, e que foi escrita numa escala diatónica.

Uma tabuinha de cerca de 1250 a.C. mostra uma forma de notação mais desenvolvida. Embora a interpretação do sistema de notação ainda seja controversa, está claro que a notação indica os nomes das cordas numa lira, cuja afinação é descrita em outras tabuinhas. Embora sejam fragmentárias, estas tabuinhas representam as primeiras melodias notadas encontradas em qualquer lugar do mundo.

A notação musical da Grécia Antiga estava em uso pelo menos desde o século 6 aC até aproximadamente o século 4 dC; várias composições completas e fragmentos de composições usando esta notação sobrevivem. A notação consiste em símbolos colocados acima das sílabas do texto. Um exemplo de uma composição completa é o epitáfio de Seikilos, que foi datado de várias formas entre o século 2 aC e o século 1 dC.

Na música grega antiga, três hinos de Mesomedes de Creta existem em manuscrito. Um dos exemplos mais antigos conhecidos de notação musical é um fragmento de papiro da peça da era helénica Orestes (408 aC), que contém notação musical para uma ode coral. A notação grega antiga parece ter caído em desuso na época do Declínio do Império Romano, e aí já estamos a evoluir na pauta.

Antes do século 15, a música ocidental era escrita à mão e preservada em manuscritos, geralmente encadernados em grandes volumes. Os exemplos mais conhecidos de notação musical da Idade Média são manuscritos medievais de canto monofónico. A notação do canto indicava as notas da melodia do canto, mas sem qualquer indicação do ritmo. No caso da polifonia medieval, como o moteto, as partes foram escritas em porções separadas de páginas opostas. Este processo foi auxiliado pelo advento da notação mensural, que também indicava o ritmo e era paralela à prática medieval de compor partes da polifonia sequencialmente, em vez de simultaneamente (como em tempos posteriores). Manuscritos com partes juntas em formato de partitura eram raros e limitados principalmente a órgão, especialmente o da escola Notre Dame. Durante a Idade Média, se uma abadessa quisesse uma cópia de uma composição existente, como uma composição de propriedade de uma abadessa noutra cidade, ela teria de contratar um copista para fazer a tarefa manualmente, o que seria um processo demorado e que pode levar a erros de transcrição.

Mesmo após a invenção da impressão musical em meados do século XVIII, muita música continuou a existir apenas em manuscritos escritos à mão de compositores até ao século XVIII.

Foi no contexto da criação da pauta musical que um monge beneditino francês chamado Guido de Arezzo, nascido nos finais do século X, organizou o sistema de notação musical conhecido até aos dias de hoje. Nos seus estudos, acabou por perceber que a construção de uma escala musical simplificada poderia facilitar a aprendizagem dos alunos e, ao mesmo tempo, diminuir os erros de interpretação de uma peça musical.

Para resolver esta questão, o monge Guido aproveitou um hino cantado em louvor a São João Batista. Nas suas estrofes eram cantados os seguintes versos em latim:

“Ut quant laxis

Resonare fibris

Mira gestorum

Famuli tuorum

Solve polluti

Labii reatum

Sancte Iohannes”

Ou seja, a canção faz a seguinte homenagem ao santo católico:

“Para que teus servos

Possam, das entranhas

Flautas ressoar

Teus feitos admiráveis

Absolve o pecado

Desses lábios impuros

Ó São João”

Observando as iniciais de cada um dos versos dispostos na versão em latim, o monge criou a grande maioria das notas musicais. Inicialmente, as notas musicais ficaram convencionadas como “ut”, “ré”, “mi”, “fá”, “sol”, “lá” e “si”. O “si” foi obtido da junção das inicias de “Sancte Iohannes”, o homenageado da canção que inspirou Guido de Arezzo. Já o “dó” foi somente adotado no século XVII, quando uma revisão do sistema concebido originalmente acabou por ser convencionada.

Houve várias dificuldades em traduzir a nova tecnologia de impressão para música. No primeiro livro impresso a incluir música, o Saltério de Mainz (1457), a notação musical (linhas da pauta e notas) foi adicionada à mão. É semelhante à sala deixada em outras incunábulas para capitais. O saltério foi impresso em Mainz, Alemanha, por Johann Fust e Peter Schöffer, e um agora reside no Castelo de Windsor e outro na Biblioteca Britânica. Mais tarde, as linhas da pauta foram impressas, mas os escribas ainda adicionaram o resto da música à mão. A maior dificuldade em usar tipos móveis para imprimir música é que todos os elementos devem estar alinhados – a cabeça da nota deve estar devidamente alinhada com a pauta. Na música vocal, o texto deve estar alinhado com as notas adequadas (embora nesta época, mesmo em manuscritos, isso não fosse uma alta prioridade).

A gravação musical é a arte de desenhar notações musicais em alta qualidade para fins de reprodução mecânica. A primeira música impressa por máquina apareceu por volta de 1473, aproximadamente 20 anos depois de Gutenberg introduzir a imprensa. Em 1501, Ottaviano Petrucci publicou Harmonice Musices Odhecaton A, que continha 96 peças musicais impressas. O método de impressão de Petrucci produzia música limpa, legível e elegante, mas era um processo longo e difícil que exigia três passagens separadas pela impressora. Posteriormente, Petrucci desenvolveu um processo que exigia apenas duas passagens pela prensa. Mas ainda era cansativo, pois cada passagem exigia um alinhamento muito preciso para que o resultado fosse legível (ou seja, para que as cabeças das notas estivessem alinhadas corretamente com as linhas da pauta). Esta foi a primeira música polifónica impressa bem distribuída. Petrucci também imprimiu a primeira tablatura com tipos móveis. A impressão de impressão única, na qual as linhas e notas da pauta podiam ser impressas numa passagem, apareceu pela primeira vez em Londres por volta de 1520. Pierre Attaingnant trouxe a técnica para um uso amplo em 1528, e ela permaneceu pouco mudada por 200 anos.

Um formato comum para a emissão de música polifónica com várias partes durante o Renascimento eram os partbooks. Neste formato, cada parte da voz de uma coleção de madrigais de cinco partes, por exemplo, seria impressa separadamente em seu próprio livro, de modo que todas as cinco partes do livro seriam necessárias para executar a música. Os mesmos partbooks podem ser usados por cantores ou instrumentistas.

O efeito da música impressa era semelhante ao efeito da palavra impressa, na medida em que a informação se espalhava mais rapidamente, com mais eficiência, a um custo mais baixo e para mais pessoas do que poderia por meio de manuscritos laboriosamente copiados à mão. Teve o efeito adicional de encorajar músicos amadores com recursos suficientes, que agora podiam pagar por partituras, a apresentarem-se. De muitas maneiras, isto afetou toda a indústria musical. Os compositores agora podiam escrever mais música para artistas amadores, sabendo que ela poderia ser distribuída e vendida para a classe média.

Isto significava que os compositores não dependiam apenas do patrocínio de aristocratas ricos. Aumentou o número de amadores, com os quais os músicos profissionais podiam ganhar dinheiro ensinando-os. No entanto, nos primeiros anos, o custo da música impressa limitava a sua distribuição. Outro fator que limitou o impacto da música impressa foi que, em muitos lugares, o direito de imprimir música era concedido pelo monarca, e apenas aqueles com uma dispensa especial podiam fazê-lo, dando-lhes o monopólio. Frequentemente, isto era uma honra (e uma vantagem económica) concedida aos músicos ou compositores preferidos da corte.

A gravação mecânica da placa foi desenvolvida no final do século XVI. Embora a gravura em placa tenha sido usada desde o início do século XV para a criação de arte visual e mapas, ela não foi aplicada à música até 1581. Nesse método, uma imagem espelhada de uma página inteira de música era gravada numa placa de metal. A tinta foi então aplicada nas ranhuras e a impressão da música foi transferida para o papel. As placas de metal podiam ser armazenadas e reutilizadas, o que tornava esse método uma opção atraente para gravadores musicais. O cobre foi o metal inicial de escolha para as primeiras placas, mas no século XVIII, o estanho tornou-se o material padrão devido à sua maleabilidade e baixo custo.

A gravura em placa foi a metodologia de escolha para impressão de música até o final do século XIX, ponto em que o seu declínio foi acelerado pelo desenvolvimento da tecnologia fotográfica. No entanto, a técnica sobreviveu até os dias de hoje e ainda é ocasionalmente usada por editores selecionados, como G. Henle Verlag na Alemanha.

À medida que a complexidade da composição musical aumentava, também aumentava a tecnologia necessária para produzir partituras musicais precisas. Ao contrário da impressão literária, que contém principalmente palavras impressas, a gravura musical comunica vários tipos diferentes de informações simultaneamente. Para ser claro para os músicos, é imperativo que as técnicas de gravura permitam uma precisão absoluta. Notas de acordes, marcações dinâmicas e outras notações alinham-se com precisão vertical. Se o texto for incluído, cada sílaba combina verticalmente com a sua melodia atribuída. Horizontalmente, as subdivisões das batidas são marcadas não apenas por suas bandeiras e feixes, mas também pelo espaço relativo entre eles na página. A logística de criar cópias tão precisas apresentou vários problemas para os primeiros gravadores musicais e resultou no desenvolvimento de várias tecnologias de gravação musical.

No século 19, a indústria da música era dominada por editoras de partituras. O grupo de editores de música, compositores e compositores com sede em Nova Iorque que dominava a indústria era conhecido como “Tin Pan Alley”. Em meados do século 19, o controle de direitos de autor das melodias não era tão rígido, e os editores costumavam imprimir as suas próprias versões das canções populares na época. Com leis de proteção de direitos de autor mais rígidas no final do século, compositores, compositores, letristas e editores começaram a trabalhar juntos para o seu benefício financeiro mútuo. Os editores da cidade de Nova Iorque concentraram-se na música vocal. As maiores casas de música estabeleceram-se na cidade, mas pequenas editoras locais – muitas vezes ligadas a gráficas comerciais ou lojas de música – continuaram a florescer em todo o país. Um número extraordinário de imigrantes do Leste Europeu tornou-se os editores musicais e compositores em Tin Pan Alley – o mais famoso sendo Irving Berlin. Os compositores que se tornaram produtores consagrados de canções de sucesso foram contratados para fazer parte da equipa das casas de música.

O final do século 19 viu uma explosão massiva da música de salão, com a propriedade e a habilidade de tocar piano tornando-se obrigatórias para a família de classe média. No final do século 19, se uma família de classe média quisesse ouvir uma nova canção ou peça popular, ela compraria a partitura e executaria a canção ou peça de maneira amadora na sua casa. Mas, no início do século 20, o fonógrafo e a música gravada cresceram muito em importância. Isso, somado ao crescimento da popularidade da transmissão de rádio a partir da década de 1920, diminuiu a importância das editoras de partituras. Assim, a indústria fonográfica acabou por substituir as editoras de partituras como a maior força da indústria musical.

No final do século 20 e no século 21, desenvolveu-se um interesse significativo na representação de partituras num formato legível por computador, bem como em arquivos para download. O Music OCR, software para “ler” partituras digitalizadas para que os resultados possam ser manipulados, está disponível desde 1991.

Com isto, apareceram vários sites na Internet para descarregar partituras, como o IMSLP (também conhecido como Petrucci Library) e o Mutopia Project, ambos tentativas criação de uma biblioteca de partituras de download gratuito com direitos de autor já sem efeito.

Algo relacionado com os ficheiros MIDI de armazenamento de partituras, alguns programas de computador para compositores têm um recurso muito útil: a capacidade de “reproduzir” a música anotada usando sons de sintetizador ou instrumentos virtuais. Devido ao alto custo de contratação de uma orquestra sinfónica completa para tocar uma nova composição, antes do desenvolvimento desses programas de computador, muitos compositores e arranjadores só podiam ouvir as suas obras orquestrais arranjando-as para piano, órgão ou quarteto de cordas. Embora a reprodução de um programa destes não contenha as nuances de uma gravação de orquestra profissional, ainda transmite uma sensação das cores dos tons criados pela peça e da interação das diferentes partes.

E foi assim que surgiu e evoluiu a partitura!